Cinéma irréel de l'URSS : modèles naturalistes et paysages sans ordinateurs

2024 Auteur: Seth Attwood | [email protected]. Dernière modifié: 2024-01-16 18:45

Beaucoup seront probablement surpris de constater que dans certains films soviétiques, les effets spéciaux n'étaient pas pires que dans de nombreux films étrangers de l'époque. Prenez, par exemple, les films de science-fiction "The Road to the Stars" et "Planet of Storms" réalisés par Pavel Klushantsev: comment les objets dynamiques et fluides se déplacent en eux dans l'espace. Quelque chose de similaire a été réalisé par Stanley Kubrick dans le film légendaire "A Space Odyssey of 2001" seulement dix ans plus tard en 1968.

Afin de montrer les vaisseaux spatiaux de manière naturaliste, les designers et les décorateurs ont construit des modèles spéciaux, en travaillant chaque détail. Ensuite, l'opérateur a déplacé la caméra, de sorte que l'impression a été créée que le navire flottait dans l'espace. Parfois, les modèles étaient accrochés sur une ligne fine et tournés à la main sur le fond du ciel étoilé. Cela semble ridicule, mais en fait, cela s'est avéré être une image très réaliste.

Afin de recréer des objets en arrière-plan du paysage, un artiste professionnel est intervenu. Par exemple, pour un château situé au sommet d'une falaise, ils ont pris une vraie montagne, y ont mis du verre et ont peint un bâtiment médiéval dessus, en le combinant avec le contour du paysage. Ensuite, l'opérateur a apporté la caméra pour qu'elle « regarde » le verre à travers les yeux de l'artiste, et à partir de là, il filmait déjà la prise.

Et si vous avez besoin de filmer de manière crédible toute une flottille de voiliers comme Peter je l'ai vu ? Pour cela, de nombreux modèles de navires petits mais très réalistes ont été construits et mis à l'eau. L'opérateur, utilisant le principe de la perspective, a fait un véritable miracle et à la sortie le spectateur soviétique n'aurait jamais deviné que les voiliers étaient en réalité des faux. Des films avec des avions et du matériel militaire ont été tournés sur le même principe.

La période des années 1970 a été marquée par la sortie de chefs-d'œuvre du cinéma soviétique comme Solaris de Tarkovski avec sa planète océanique extrêmement réaliste et Moscou-Cassiopée de Richard Viktorov avec ses scènes inégalées d'astronautes en état d'apesanteur. Le secret de la plausibilité des graphismes de ces films est ridiculement simple - des lieux parfaitement assortis, des décors soigneusement créés, un travail de caméra magistral et, bien sûr, le talent du réalisateur.

Par exemple, afin de transmettre l'effet d'apesanteur dans le film "Moscou - Cassiopée", le Yalta Film Studio a construit à partir de zéro une décoration à 360 degrés d'un vaisseau spatial. Selon Novate.ru, la caméra était fixée de manière rigide à la plate-forme et tournait avec le couloir. Les astronautes ont été suspendus à une corde fine de sorte que l'impression a été créée qu'ils planaient dans l'espace.

Mais depuis les années 1980, les effets spéciaux soviétiques dans la poursuite de Star Wars de Lucas ont sensiblement ralenti. Il suffit de regarder le film "Orion's Loop" pour s'assurer que l'école de tournage combiné de l'URSS a pris un grand pas en arrière, et même l'image culte de Richard Viktorov "À travers des épreuves jusqu'aux étoiles" n'a pas pu sauver la situation.

Plus près de l'effondrement de l'Union soviétique, les premiers effets spéciaux numériques ont commencé à être utilisés dans notre cinématographie, mais à cette époque, la technologie occidentale en termes techniques avait beaucoup progressé. "Terminator", "Retour vers le futur" - ces films légendaires et d'autres n'ont laissé aucune chance aux réalisateurs soviétiques. D'un autre côté, en URSS, ils n'ont pas essayé de se concentrer sur le divertissement - nos films sont tombés amoureux de centaines de téléspectateurs pour quelque chose de complètement différent.

LA TRANSFORMATION ENVIRONNEMENTALE OU LE LOOK DE LA MÉTROPOLE

« Voyage sur la Lune » (1902) de J. Meliesa n'est pas seulement l'un des premiers films de science-fiction, mais aussi l'un des premiers films à effets spéciaux.

Les premières expériences cinématographiques sur la transformation de la réalité n'étaient toujours pas libérées du fardeau de leurs ancêtres - le théâtre et le cirque. Ce n'est pas un hasard si l'ancien cirque Georges Melies est devenu le fondateur de la science-fiction. Il utilise des décors et mécanismes mobiles complexes (montés dans son atelier près de Paris dans un immense bâtiment de l'ancienne serre). Paysages lunaires et constellations ravivées, fonds marins et icebergs polaires - ces immenses décors étaient théâtralement conventionnels, ce qui n'a cependant pas détruit le style délibérément bohème de "l'extravagance du cinéma".

La même théâtralité délibérée était caractéristique du Mars « soviétique » (« Aelita », 1924), à la manière des productions de Meyerhold et Tairov. Mais ici, les artistes d'avant-garde Isaac Rabinovich et Alexandra Exter utilisaient déjà pleinement les décors du modèle. Et par la suite, tous les mêmes paysages lunaires ("Femme sur la Lune allemande", "Vol spatial" soviétique) ou villes grandioses du futur ("Metropolis" de Fritz Lang, "The Image of the Coming" de H. Wells) ont commencé à construire à plus petite échelle.

Et quand il a été nécessaire de combiner acteurs et modèles dans un même cadre, ils ont commencé à utiliser des méthodes purement cinématographiques: « alignement en perspective », « projection RIR », « masque errant ».

La célèbre "Metropolis" ("Metropolis", 1927), qui a fait la renommée mondiale de Fritz Lang.

Alignement en perspective: prendre deux objets ou plus à une distance suffisante du point où les objets semblent se tenir côte à côte - cela fausse la perception visuelle de la taille des objets. Gandalf chez Bilbo ("La Communauté de l'Anneau") - un vieux tour parfaitement exécuté avec une combinaison de perspectives. Projection RIR: Prise de vue d'objets sur le fond de l'écran, sur lesquels sont affichés des plans panoramiques. La méthode de la « salle bleue » (ou « mur vert ») utilisée dans toutes les bandes modernes est le résultat de l'évolution de la projection RIR à l'ère numérique. Masque d'errance: fusionne les objets de premier plan « découpés » du cadre avec un arrière-plan capturé séparément. Cette méthode était souvent utilisée dans les films plus anciens pour représenter des poursuites en voiture (avec une vue sur les personnages dans la voiture). Dans la célèbre course de speeder impérial à travers les forêts d'Endor (Star Wars: Le Retour du Jedi), les traces d'un masque errant sont visibles.

Boris Karlov dans le rôle du monstre de Frankenstein ("Frankenstein", 1931).

Les maîtres des décors fantastiques étaient parfois plus doués que les autres - après tout, ils prenaient la science-fiction au sérieux, contrairement, par exemple, aux administrateurs qui ne favorisaient pas ce genre.

Le boom de l'espace d'après-guerre a engendré tout un monde de système solaire cinématographique. L'Américain George Pal et le Russe Pavel Klushantsev, avec une précision documentaire (et une similitude les uns avec les autres), ont créé des caravanes de fusées en argent qui transportent des astronautes dans des combinaisons spatiales entièrement métalliques vers des stations orbitales toroïdales. Il est même venu à la curiosité qu'il était interdit de tirer sur les fusées inventées par l'artiste, afin de ne pas divulguer de secrets militaires (!).

Dans le tableau "Femme sur la Lune" ("Frau im Mond", 1928), les censeurs ont vu le projet secret "V-2".

Mais qui se souvient aujourd'hui des films "Direction - the Moon", "The Road to the Stars", "Conquest of Space", "Towards a Dream" (essayez de deviner lequel de ces noms triviaux a été inventé en URSS, et lequel - aux USA !) … Des modèles américains sont conservés dans le musée, et les nôtres - après la mort de l'artiste Julius Shvets - ont été radiés et détruits.

Mais c'est alors que de nombreuses astuces ingénieuses ont été développées, qui ont ensuite été utilisées dans les classiques: "A Space Odyssey" de Stanley Kubrick et "Youths in the Universe" de Richard Viktorov. Par exemple, la décoration tournante de la gare, imitant la marche en bottes magnétiques sur les murs et le plafond.

Il a fallu un quart de siècle aux cinéastes pour commencer à apprécier les déchets et à créer toutes sortes de "Disneylands" dans lesquels le plateau de cinéma retrouve sa fonction d'origine - la cabine de théâtre -.

Les fonds volumineux ont survécu à leur temps et toutes sortes d'astuces optiques sont apparues, permettant au plat d'être volumineux et le petit - gigantesque. Sinon, il n'y aurait pas de spectacles comme "Star Wars". Le co-auteur à part entière de George Lucas était le maître des effets spéciaux John Dykstra, qui a créé un monde d'espace habitable si convaincant que par la suite aucune des épopées spatiales ne pouvait se passer de sa participation - "Battlestar Galaktika", "Star Trek", "Vitalité", "Envahisseurs de Mars"…

Et l'utilisation de l'infographie confond généralement les critères de l'illusion et de la réalité objective…

TRANSFORMATION D'OBJET, OU CONG INCROYABLE

"King Kong" ("King Kong", 1933) - l'un des premiers films sur des monstres géants.

Tout de même, Melies a créé le premier monstre de film - un géant ("Pour conquérir le pôle") en taille réelle, qui saisissait les gens avec des mains mécaniques et avalait avec une bouche mécanique. Cette attraction encombrante était encore d'origine purement foraine. Cependant, c'est Melies qui a découvert des astuces purement cinématographiques. Par exemple, un arrêt sur image qui a permis aux Sélénites explosant de l'impact de Voyage to the Moon de disparaître.

C'était un pas d'ici à la photographie en accéléré et à un nouveau genre - l'animation. Cette étape a été franchie par notre compatriote Vladislav Starevich dans le film "The Beautiful Lucanida", qui a animé (c'est-à-dire investi "anima" - l'âme) de poupées insectes, si habilement que le public était sûr qu'il s'agissait de créatures vivantes entraînées. Apparemment, c'était la première fois dans l'histoire du cinéma que la fiction devenait indiscernable de la vérité et que la « réalité fantastique » était née.

Certes, l'animation est rapidement devenue un royaume à part. Le grand cinéma a commencé à utiliser les possibilités de combiner des acteurs vivants et des marionnettes. Et il est apparu, par exemple, "New Gulliver" d'Alexander Ptushko avec des nains en pâte à modeler. Et aux États-Unis, Willis O'Brien un demi-siècle avant que Spielberg ne crée son "Jurassic Park" - d'abord dans l'adaptation au cinéma muet de The Lost World, puis dans l'immortel King Kong (1933). Son école a été poursuivie par Ray Harrihausen dans la série sur Sinbad et « A Million Years BC ».

Bien que le monumentalisme de Melies ne soit pas devenu une chose du passé, ils ont continué à construire des créatures titanesques (lorsque les finances le permettaient). Le même Ptushko refusait l'animation et préférait le grand Serpent Gorynych, dans chaque tête duquel se trouvait un soldat avec un lance-flammes (« Ilya Muromets »). Et le professeur Boris Dubrovsky-Eshke pour le film "La mort d'une sensation" (1932) a construit dix robots de deux mètres sur des moteurs électriques commandés par un homme de l'intérieur (!). Ce n'était ni avant ni après, ni avec nous, ni avec eux.

Dans le génie "A Space Odyssey 2001" ("2001: A Space Odyssey", 1968), Stanley Kubrick a d'abord utilisé les solutions qui sont devenues des manuels de science-fiction. Et il a reçu un "Oscar" bien mérité pour cela.

La galaxie des "créatures monstres" modernes ne sont plus des artisans solitaires, mais les chefs de laboratoires spéciaux pour créer des monstres. Le plus éminent d'entre eux est l'Italien Carlo Rambaldi, qui a commencé avec les « péplums » mythologiques (« Persée et Méduse ») et les « spaghetti-horreurs » (« Rouge foncé »), a collaboré avec Andy Warhol dans les films sur Frankenstein et Dracula., puis devint père (littéralement « Pape Carlo ») pour les personnages de Spielberg - l'Alien (« ET ») et ses « parents » les plus proches (« Rencontres rapprochées du troisième type »).

Mais les dinosaures de Spielberg ont été créés par un autre "sorcier du vingtième siècle" - Phil Tippett. Pour lui, il s'agissait de graines - après cette immense tribu d'extraterrestres, qu'il a inventée pour la trilogie "Star Wars", deux dragons ("Dragon Winner" et "Dragon Heart"), Howard the Duckling et bien d'autres.

Aujourd'hui, les acteurs informatiques commencent déjà à rejouer le vivant (par exemple, dans les nouveaux épisodes de "Star Wars") et deviennent souvent les personnages-titres de films ("The Incredible Hulk"), d'objets à devenir sujets.

TRANSFORMATION DU SUJET OU DU DOCTEUR FREDDY FRANKENSTEIN

De nouveaux personnages fantastiques ont également été créés principalement par des moyens anciens - par exemple, des costumes. Les Sélénites à cornes de Voyage to the Moon étaient joués par des acrobates des Foley Bergères, sautant et grimaçant de façon hilarante. Depuis lors, le "couturier" a été aussi sophistiqué que possible - rappelez-vous simplement l'actrice dans le costume de plumes de l'oiseau phénix ("Sadko").

Quand ils ont ouvert un gros plan, ils se sont souvenus du maquillage. Au début, les acteurs devaient se maquiller. Au fait, c'est pour cela que Lon Chani est devenu célèbre. Pendant la période du muet hollywoodien, il a dominé tous les monstres du cinéma - vampires, loups-garous, Quasimodo, le fantôme de l'Opéra - pour lesquels il a reçu le surnom de "L'Homme aux mille visages". Chaplin est crédité de la paternité de la célèbre blague: "Attention, n'écrase pas le cafard, c'est peut-être Chani dans un nouveau maquillage."

Mais ensuite, des maquilleurs professionnels sont apparus - parfois de véritables artistes. Par exemple, Jack Pierce pour faire d'anciens rites funéraires. Mais son image devient canonique et se répète de film en film. Plus tard, Pierce a créé un homme-loup et une momie non moins classiques.

Bien que les données naturelles de l'acteur aient également joué un rôle important. Ne voulant pas offenser les maîtres du cinéma, je noterai que Karloff ressemblait à un homme mort même sans maquillage, et notre George Millyar ressemblait à Babu Yaga. Il était techniquement plus difficile de transformer visuellement une personne en monstre d'un seul coup. La méthode la plus simple était la double exposition (prise de vue répétée sur une plaque/film photographique), mais elle ne donnait pas une illusion complète, et de nouvelles méthodes ont été inventées, les gardant souvent secrètes. Ainsi, à ce jour, on ne sait pas à quel point les rides profondes apparaissent sur le visage du Dr Jekyll avant de le transformer en M. Hyde dans le film de 1932. On parle de filtres de couleurs, mais le secret est perdu…

Lon Chani, maître de la réincarnation.

Aujourd'hui, avec la production en ligne de tentacules et de crocs en plastique, il est difficile de garder des secrets, et même pas si pertinent. Après tout, un maquilleur moderne ne veut pas rester dans l'ombre et éclipse parfois l'acteur, devenant lui-même une star. Par exemple, Rob Bottin, qui a commencé par déguiser un acteur en singe (King Kong, 1976), en loup-garou (Howl), en gnomes et en gobelins (Legend), avec des effets de distorsion et de décomposition de chair vivante (Beast, "Sorcières d'Eastwick", "Espace intérieur"). Mais son heure de gloire a sonné lorsqu'il a proposé un simple, comme tout brillant, "chevalier du XXIe siècle" - "robot-policier" vêtu d'une armure. Par la suite, Bottin est devenu indispensable en tant que maître du maquillage "invisible", c'est-à-dire que le spectateur ne l'a pas remarqué - dans le thriller "Seven" et le film d'action "Mission Impossible".

TRANSFORMATION DE L'IMAGE, OU PAS DU CRÉATEUR

L'avènement de l'informatique au cinéma est comparable en termes d'époque à l'invention du son. Aujourd'hui, bien sûr, vous pouvez filmer à l'ancienne. Mais en même temps, il faut être conscient de la périphérie profonde où un tel film sera situé.

L'ordinateur a permis de contourner toute l'étape de la réalisation d'un film - la matérialisation de miracles à partir de moyens improvisés devant la caméra (afin de les immortaliser sur pellicule et de les jeter immédiatement dans une décharge). Désormais, toutes, les idées les plus incroyables peuvent naître directement à l'écran.

Le cinéma a finalement cessé d'être le seul art de l'écran, s'étant hissé au même rythme que la télévision et les ordinateurs. Et l'image fantastique a finalement cessé d'être le reflet d'une réalité factice, et est devenue elle-même - une invention, complètement indépendante de la fragilité de la vie cinématographique.

L'homme s'est encore rapproché du rang de Créateur. Un pas de plus, et… Mais c'est une toute autre histoire.

Dans "Hulk" ("Hulk", 2003), l'apparence du personnage principal est entièrement créée sur l'ordinateur.

Howard the Duck (1986) est l'un des films les plus étranges de Lucas Films.