Le mythe des artistes de la Renaissance

2024 Auteur: Seth Attwood | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 16:04

Selon la version officielle, au tournant des XIVe et XVe siècles, un changement radical s'est produit dans la peinture - la Renaissance. Vers les années 1420, tout le monde est devenu soudainement meilleur en dessin. Pourquoi les images sont-elles soudainement devenues si réalistes et détaillées, et dans les peintures il y avait de la lumière et du volume ?

Personne n'y a pensé pendant longtemps. Jusqu'à ce que David Hockney prenne une loupe.

Une fois, il regardait des dessins de Jean Auguste Dominique Ingres, le chef de file de l'école académique française du XIXe siècle. Hockney s'est intéressé à voir ses petits dessins à plus grande échelle et les a agrandis sur une photocopieuse. C'est ainsi qu'il tombe sur une face secrète de l'histoire de la peinture depuis la Renaissance.

Après avoir fait des photocopies des petits dessins d'Ingres (environ 30 centimètres), Hockney a été étonné de leur réalisme. Et il pensait aussi que les vers d'Ingres lui rappelaient quelque chose. Il s'est avéré qu'ils lui rappelaient le travail de Warhol. Et Warhol l'a fait - il a projeté une photo sur une toile et l'a esquissé.

Des cas intéressants, dit Hockney. Apparemment, Ingres a utilisé la Camera Lucida - un appareil qui est une structure avec un prisme qui est attaché, par exemple, sur un support à une tablette. Ainsi, l'artiste, regardant son dessin d'un œil, voit l'image réelle et de l'autre - le dessin lui-même et sa main. Il s'agit d'une illusion d'optique qui vous permet de transférer avec précision des proportions réelles sur du papier. Et c'est précisément la « garantie » du réalisme de l'image.

Puis Hockney s'est sérieusement intéressé à ce genre « optique » de dessins et de peintures. Dans son atelier, lui et son équipe ont accroché aux murs des centaines de reproductions de tableaux créés au cours des siècles. Des œuvres qui semblaient "réelles" et celles qui ne l'étaient pas. Distingués au moment de la création et par régions - nord en haut, sud en bas, Hockney et son équipe ont vu un changement radical dans la peinture au tournant des 14-15 siècles. En général, tous ceux qui connaissent au moins un peu l'histoire de l'art connaissent - la Renaissance.

Peut-être qu'ils ont utilisé le même appareil photo lucide ? Il a été breveté en 1807 par William Hyde Wollaston. Bien qu'en fait, un tel dispositif soit décrit par Johannes Kepler en 1611 dans son ouvrage Dioptrice. Ensuite, peut-être ont-ils utilisé un autre appareil optique - une camera obscura ? Après tout, il est connu depuis l'époque d'Aristote et c'est une pièce sombre dans laquelle la lumière entre par un petit trou et donc dans une pièce sombre une projection de ce qui se trouve devant le trou est obtenue, mais inversée. Tout irait bien, mais l'image qui est obtenue lorsqu'elle est projetée par un appareil photo à sténopé sans objectif, pour le moins, n'est pas de haute qualité, elle n'est pas claire, elle nécessite beaucoup de lumière vive, sans parler de la taille de la projection. Mais les lentilles de qualité étaient presque impossibles à fabriquer jusqu'au 16ème siècle, car il n'y avait aucun moyen d'obtenir un verre d'une telle qualité à l'époque. Choses à faire, pensa Hockney, à ce moment-là déjà aux prises avec le problème avec le physicien Charles Falco.

Cependant, il existe un tableau de Jan Van Eyck, peintre brugeois et peintre flamand du début de la Renaissance, dans lequel un indice est caché. Le tableau s'intitule "Portrait du couple Arnolfini".

L'image brille simplement avec une énorme quantité de détails, ce qui est assez intéressant, car elle n'a été peinte qu'en 1434. Et le miroir sert d'indice sur la façon dont l'auteur a réussi à faire un si grand pas en avant dans le réalisme de l'image. Et aussi le chandelier est incroyablement complexe et réaliste.

Hockney débordait de curiosité. Il s'est procuré une copie d'un tel lustre et a essayé de le dessiner. L'artiste a été confronté au fait qu'une chose aussi complexe est difficile à mettre en perspective. Un autre point important était la matérialité de l'image de cet objet métallique. Lors de la représentation d'un objet en acier, il est très important de positionner les reflets de la manière la plus réaliste possible, car cela donne une énorme quantité de réalisme. Mais le problème avec ces reflets, c'est qu'ils bougent lorsque le regard du spectateur ou de l'artiste bouge, ce qui fait qu'il n'est pas du tout facile de les capturer. Et l'image réaliste du métal et de l'éblouissement est également une caractéristique distinctive des peintures de la Renaissance, avant que les artistes n'essayaient même de le faire.

En recréant un modèle tridimensionnel précis du lustre, l'équipe Hockney a veillé à ce que le lustre du Portrait du couple Arnolfini soit dessiné avec précision en perspective avec un seul point de fuite. Mais le problème était que des instruments optiques aussi précis qu'une camera obscura avec un objectif n'existaient pas pendant environ un siècle après la création du tableau.

Le fragment agrandi montre que le miroir du tableau "Portrait du couple Arnolfini" est convexe. Il y avait donc des miroirs au contraire - concaves. De plus, à cette époque, de tels miroirs étaient fabriqués de cette manière - une sphère de verre était prise et son fond était recouvert d'argent, puis tout, sauf le fond, était coupé. L'arrière du miroir n'était pas obscurci. Cela signifie que le miroir concave de Jan Van Eyck pourrait être le même miroir que celui montré sur la photo, juste de l'arrière. Et tout physicien sait ce qu'un miroir, lorsqu'il est réfléchi, projette une image de celui qui est réfléchi. C'est ici que son ami physicien Charles Falco a aidé David Hockney dans ses calculs et ses recherches.

La partie claire et focalisée de la projection mesure environ 30 centimètres carrés, ce qui correspond exactement à la taille des têtes de nombreux portraits de la Renaissance.

C'est la taille par exemple du portrait du "Doge Leonardo Loredana" par Giovanni Bellini (1501), un portrait d'un homme par Robert Campen (1430), le propre portrait de Jan Van Eyck "un homme au turban rouge" et bien d'autres premiers portraits hollandais.

La peinture était un travail bien rémunéré, et naturellement, tous les secrets d'affaires étaient gardés dans la plus stricte confidentialité. Il était bénéfique pour l'artiste que tous les non-initiés croyaient que les secrets étaient entre les mains du maître et qu'ils ne pouvaient pas être volés. Le commerce était fermé aux étrangers - les artistes faisaient partie de la guilde et les artisans les plus divers y étaient - de ceux qui fabriquaient des selles à ceux qui fabriquaient des miroirs. Et dans la guilde de Saint-Luc, fondée à Anvers et mentionnée pour la première fois en 1382 (alors des guildes similaires ont été ouvertes dans de nombreuses villes du nord, et l'une des plus importantes était la guilde de Bruges - la ville où vivait Van Eyck) avait également des maîtres, faisant miroirs.

Hockney a donc recréé comment dessiner un lustre complexe à partir d'un tableau de Van Eyck. Il n'est pas du tout surprenant que la taille du lustre projeté par Hockney corresponde exactement à la taille du lustre du tableau "Portrait du couple Arnolfini". Et, bien sûr, l'éblouissement sur le métal - sur la projection, ils restent immobiles et ne changent pas lorsque l'artiste change de position.

Mais le problème n'est toujours pas complètement résolu, car avant l'apparition d'une optique de haute qualité, nécessaire pour utiliser une caméra à sténopé, il restait 100 ans et la taille de la projection obtenue à l'aide d'un miroir est très petite. Comment peindre des tableaux de plus de 30 centimètres carrés ? Ils ont été créés comme un collage - d'une variété de points de vue, il s'est avéré une sorte de vision sphérique avec de nombreux points de fuite. Hockney s'en est rendu compte, car il était lui-même engagé dans de telles images - il a réalisé de nombreux collages de photos dans lesquels exactement le même effet est obtenu.

Près d'un siècle plus tard, dans les années 1500, il est finalement devenu possible d'obtenir et de bien traiter le verre - de grandes lentilles sont apparues. Et ils pourraient enfin être insérés dans la camera obscura, dont le principe est connu depuis l'Antiquité. L'objectif camera obscura était une révolution incroyable dans les arts visuels, car la projection pouvait désormais être de n'importe quelle taille. Et une dernière chose, maintenant l'image n'était pas "grand angle", mais approximativement l'aspect normal - c'est-à-dire approximativement le même qu'aujourd'hui lors de la photographie avec un objectif avec une distance focale de 35-50 mm.

Cependant, le problème avec l'utilisation d'une caméra à sténopé avec un objectif est que la projection vers l'avant de l'objectif est réfléchie. Cela a conduit à un grand nombre de gauchers dans la peinture dans les premiers stades de l'utilisation de l'optique. Comme dans ce tableau des années 1600 du musée Frans Hals, où une paire de gauchers dansent, un vieil homme gaucher les menace du doigt, et un singe gaucher regarde sous la robe de la femme.

Le problème est résolu en installant un miroir dans lequel la lentille est dirigée, obtenant ainsi la projection correcte. Mais apparemment, un bon miroir plat et grand coûtait beaucoup d'argent, donc tout le monde ne l'avait pas.

La concentration était un autre problème. Le fait est que certaines parties de l'image à une position de la toile sous les rayons de projection étaient floues, pas claires. Dans le travail de Jan Vermeer, où l'utilisation de l'optique est clairement visible, son travail ressemble généralement à des photographies, vous pouvez également remarquer des endroits flous. Vous pouvez même voir le dessin que donne l'objectif - le fameux "bokeh". Comme par exemple ici, dans le tableau "La Laitière" (1658), le panier, le pain qu'il contient et le vase bleu sont flous. Mais l'œil humain ne peut pas voir "hors foyer".

Et à la lumière de tout cela, il n'est pas du tout surprenant qu'un bon ami de Jan Vermeer soit Anthony Phillips van Leeuwenhoek, un scientifique et microbiologiste, ainsi qu'un maître unique qui a créé ses propres microscopes et objectifs. Le scientifique devient le manager posthume de l'artiste. Et cela nous permet de supposer que Vermeer a représenté précisément son ami sur deux toiles - "Géographe" et "Astronome".

Afin de voir n'importe quelle partie au point, vous devez changer la position de la toile sous les rayons de projection. Mais dans ce cas, des erreurs de proportions sont apparues. Comme vous pouvez le voir ici: l'énorme épaule de "Anthea" Parmigianino (vers 1537), la petite tête de "Lady Genovese" Anthony Van Dyck (1626), les énormes pieds du paysan dans le tableau de Georges de La Tour.

Bien sûr, tous les artistes ont utilisé des objectifs différemment. Quelqu'un pour les croquis, quelqu'un composé de différentes parties - après tout, il était maintenant possible de faire un portrait, et de finir le reste avec un autre modèle ou avec un mannequin en général.

Velazquez n'a également presque pas de dessins. Cependant, son chef-d'œuvre est resté - un portrait du pape Innocent X (1650). Sur les robes du papa - évidemment en soie - il y a un beau jeu de lumière. Blikov. Et pour écrire tout cela d'un seul point de vue, il fallait faire de gros efforts. Mais si vous faites une projection, alors toute cette beauté ne s'enfuira pas - l'éblouissement ne bouge plus, vous pouvez écrire avec exactement ces traits larges et rapides comme ceux de Velazquez.

Par la suite, de nombreux artistes ont pu s'offrir une camera obscura, et cela a cessé d'être un grand secret. Canaletto a activement utilisé la caméra pour créer ses vues de Venise et ne l'a pas caché. Ces images, de par leur justesse, permettent de parler de Canaletto comme d'un documentariste. Grâce à Canaletto, vous pouvez voir non seulement une belle image, mais aussi l'histoire elle-même. Vous pouvez voir ce qu'était le premier pont de Westminster à Londres en 1746.

L'artiste britannique Sir Joshua Reynolds possédait une camera obscura et n'en a apparemment parlé à personne, car son appareil photo se plie et ressemble à un livre. Aujourd'hui, il se trouve au London Science Museum.

Enfin, au début du XIXe siècle, William Henry Fox Talbot, utilisant une caméra-lucide - celle dans laquelle il faut regarder d'un œil et dessiner avec les mains, maudit, décidant qu'un tel inconvénient devait être supprimé avec une fois pour toutes, et est devenu l'un des inventeurs de la photographie chimique, et plus tard un vulgarisateur qui l'a rendue massive.

Avec l'invention de la photographie, le monopole de la peinture sur le réalisme de l'image a disparu, maintenant la photo est devenue un monopole. Et ici, enfin, la peinture s'est libérée de l'objectif, poursuivant le chemin dont elle s'est détournée dans les années 1400, et Van Gogh est devenu le précurseur de tout l'art du 20e siècle.

L'invention de la photographie est la meilleure chose qui soit arrivée à la peinture dans toute son histoire. Il n'est plus nécessaire de créer exclusivement des images réelles, l'artiste devient libre. Bien sûr, il a fallu un siècle au public pour rattraper les artistes dans leur compréhension de la musique visuelle et arrêter de considérer des gens comme Van Gogh comme des « fous ». Dans le même temps, les artistes ont commencé à utiliser activement les photographies comme « matériel de référence ». Puis des gens comme Wassily Kandinsky, l'avant-garde russe, Mark Rothko, Jackson Pollock sont apparus. Après la peinture, l'architecture, la sculpture et la musique se libèrent. Certes, l'école universitaire russe de peinture est figée dans le temps, et aujourd'hui, il est encore dommage dans les académies et les écoles d'utiliser la photographie pour aider, et le plus grand exploit est considéré comme une capacité purement technique à dessiner de manière aussi réaliste que possible à mains nues.

Grâce à un article du journaliste Lawrence Weschler, présent aux recherches de David Hockney et Falco, un autre fait intéressant est révélé: le portrait du couple Arnolfini par Van Eyck est un portrait d'un marchand italien à Bruges. M. Arnolfini est florentin et de plus, il est représentant de la banque Médicis (pratiquement les propriétaires de Florence à la Renaissance, sont considérés comme des mécènes de l'art de cette époque en Italie). Et cela dit quoi ? Le fait qu'il puisse facilement emporter avec lui le secret de la guilde de Saint-Luc - le miroir - à Florence, où, selon l'histoire traditionnelle, la Renaissance a commencé, et les artistes de Bruges (et, par conséquent, d'autres maîtres) sont considérés comme des « primitivistes ».

Il y a beaucoup de controverse autour de la théorie de Hockney-Falco. Mais il y a certainement un grain de vérité là-dedans. Quant aux historiens de l'art, aux critiques et aux historiens, il est même difficile d'imaginer combien d'ouvrages scientifiques sur l'histoire et l'art se sont avérés être en réalité un non-sens complet, cela change aussi toute l'histoire de l'art, toutes leurs théories et leurs textes.

Le fait d'utiliser l'optique ne diminue en rien les talents des artistes - après tout, la technique est un moyen de transmettre ce que veut l'artiste. Et vice versa, le fait qu'il y ait une réalité réelle dans ces peintures ne fait que leur donner du poids - après tout, c'est à ça que ressemblaient les gens de cette époque, les choses, les locaux, les villes. Ce sont de vrais documents.

La théorie Hockney-Falco est détaillée par son auteur David Hockney dans le documentaire de la BBC David Hockney "Secret Knowledge", qui peut être visionné sur YouTube (partie 1 et partie 2 en anglais. lang.):