Une brève histoire de l'origine du cinéma soviétique

2024 Auteur: Seth Attwood | [email protected]. Dernière modifié: 2023-12-16 16:04

Nous continuons notre guide de l'histoire du cinéma russe. Cette fois, nous analysons la seconde moitié de l'ère soviétique: du dégel et de la « nouvelle vague » au cinéma coopératif et au nécroréalisme.

La dernière fois que nous avons examiné l'origine du cinéma domestique, comment la révolution, la guerre et la politique l'ont affecté, nous avons rappelé les principales découvertes esthétiques et innovations techniques de cette époque. Dans cet article, nous nous tournons vers la période du dégel de Khrouchtchev et les difficiles années 1990.

1950-1960

La mort de Joseph Staline en mars 1953 est devenue un tournant dans l'histoire et la vie de toute l'URSS et, bien sûr, s'est reflétée dans le cinéma. Dans le cadre du changement de cap politique, le système de gestion culturelle a été réorganisé presque immédiatement. Entre autres choses, le ministère de la Cinématographie a été liquidé et le cinéma a été transféré aux départements du ministère de la Culture. Une conséquence importante de cela a été l'affaiblissement relatif du contrôle de l'État.

L'événement suivant qui consolida le cours vers la libéralisation, adoucissant la censure et élargissant la portée de la liberté créative fut le 20e Congrès du PCUS en février 1956, où le culte de la personnalité de Staline fut critiqué. Au cours de cette période, les réunions de responsables avec les cinéastes sont devenues un moyen privilégié d'interaction entre l'État et le cinéma.

Les réunions les plus importantes et les plus importantes ont eu lieu à la Maison d'accueil sur les collines Lénine à Moscou en 1962 et dans la salle Sverdlovsk du Kremlin en 1963. Lors du dernier événement, des personnalités créatives ont réussi à défendre la nécessité de créer une Union des directeurs de la photographie (elle a été créée deux ans plus tard). Dans le même temps, il a été décidé de transférer la cinématographie à la compétence du cinéma d'État, ce qui signifiait en fait le retour d'un contrôle plus attentif de la cinématographie. L'Agence nationale du cinéma supervisera le développement du cinéma dans le pays jusqu'à la fin de l'existence de l'URSS.

Le cinéma domestique du milieu des années 50 - fin des années 60 est le cinéma du dégel. La cinématographie soviétique au cours de ces années se renouvelle activement, découvrant de nouveaux thèmes et possibilités techniques. À bien des égards, ce processus est basé sur des polémiques avec les attitudes artistiques du cinéma stalinien.

Les auteurs s'éloignent du « sans conflit », du « landrine » et du « vernissage du réel » pour une cinématographie plus réaliste ou plus poétique. Dans le même temps, les réalisateurs soviétiques sont fortement influencés à la fois par le cinéma étranger - le néo-réalisme italien, l'école polonaise, la "nouvelle vague" française - et national - l'avant-garde révolutionnaire des années 1920

La cinématographie devient plus humaniste. Le personnage principal à l'écran de l'époque est un « homme ordinaire » qui, de plus, rajeunit beaucoup par rapport aux héros de l'époque précédente. Les auteurs se tournent vers sa personnalité, le rendent psychologiquement plus brillant, plus intéressant et plus diversifié. Ensuite, le modèle écran de la société change. Si auparavant la relation centrale était "le leader - le peuple", maintenant c'est la famille.

Le genre principal est un drame moderne qui dépeint la vie quotidienne des gens ordinaires. Le genre permet de révéler les conflits actuels et d'en venir à l'affirmation de valeurs humaines universelles, de montrer les réalités de la vie et de la poétiser. Cassettes typiques: "Printemps sur la rue Zarechnaya", "Hauteur", "Quand les arbres étaient grands", "Neuf jours en un an", "Un tel type vit".

L'influence de l'approche documentaire est perceptible dans des films tels que "Autres enfants", "Rencontres courtes", "Ailes", "L'histoire d'Asya Klyachina, qui a aimé, mais ne s'est pas mariée". Dans certains tableaux, les auteurs dressent une sorte de portrait d'époque et de génération. Par exemple, dans "Je me promène dans Moscou", "Amour", "Tendresse", "Trois jours de Viktor Chernyshov". Les œuvres de Marlen Khutsiev: « J'ai 20 ans » (« L'avant-poste d'Ilyich ») et « La pluie de juillet » deviennent les symboles du dégel (respectivement son heure de gloire et son coucher de soleil).

La comédie soviétique mise à jour est principalement basée sur le thème moderne de la vie quotidienne. Leonid Gaidai travaille dans le sens excentrique du genre: " Opération " Y " et autres aventures de Shurik ", Prisonnier du Caucase, ou encore Les Nouvelles aventures de Shurik ", " La Main de diamant ". Eldar Ryazanov crée des comédies pleines de vie: « Nuit du carnaval », « Méfiez-vous de la voiture », « Zigzag de la fortune ». Comédie de Georgy Danelia - triste: "Seryozha", "Trente-trois". A noter la comédie satirique d'Elem Klimov ("Bienvenue ou pas d'entrée non autorisée", "Les aventures du dentiste") et la comédie musicale de Rolan Bykov ("Aibolit-66"), ainsi que "Maxim Perepelitsa", "Inflexible", "Filles"…

Un autre genre important de l'époque est le drame de guerre. Des épopées, conventions et schématismes des films de guerre de Staline, les auteurs passent au drame des destins individuels. Une nouvelle image tragique de la guerre et un message anti-guerre sont créés dans des films tels que "The Cranes Are Flying", "The House I Live in", "The Fate of a Man", "Ballad of a Soldier", « La paix à l'arrivée », « L'enfance d'Ivan », « Vivre et mort », « Père d'un soldat ».

La guerre et le phénomène du nazisme sont appréhendés dans le film documentaire à grande échelle « Fascisme ordinaire ». Dans le courant dominant de l'humanisation, une refonte des thèmes historiques et révolutionnaires importants pour le cinéma soviétique est en cours: « Pavel Korchagin », « Quarante et unième », « Communiste », « Premier professeur », « Il n'y a pas de gué dans le feu ", "Deux camarades ont servi."

La littérature classique redevient une puissante source d'inspiration pour les cinéastes. Un certain nombre d'œuvres épiques d'auteurs russes et étrangers sont transférées à l'écran: L'Idiot, Les Frères Karamazov, Guerre et Paix; Othello, Don Quichotte, Hamlet.

Un changement de génération a lieu - une génération de jeunes cinéastes, de soldats de première ligne et d'"enfants de la guerre" arrive: Grigory Chukhrai, Sergey Bondarchuk, Alexander Alov et Vladimir Naumov, Andrey Tarkovsky, Vasily Shukshin, Marlen Khutsiev, Gleb Panfilov, Andrey Konchalovsky, Larisa Shepitko, Elem Klimov, Alexander Mitta, Andrey Smirnov, Gennady Shpalikov, Sergey Parajanov, Tengiz Abuladze et bien d'autres.

Cependant, les vétérans du cinéma soviétique réalisent également leurs meilleurs et les plus importants films de l'époque: Mikhail Romm, Mikhail Kalatozov, Yuliy Raizman, Iosif Kheifits, Alexander Zakhri, Grigory Kozintsev, Sergei Gerasimvo, Ivan Pyriev et d'autres

Les visages du cinéma soviétique changent également. Une nouvelle génération d'acteurs arrive: Nikolai Rybnikov, Nadezhda Rumyantseva, Alexei Batalov, Innokenty Smoktunovsky, Andrey Mironov, Evgeny Evstigneev, Tatyana Samoilova, Vasily Lanovoy, Vyacheslav Tikhonov, Lyudmila Gurchenfreko, Tatyana Alexander Mordyukova, Tatyana Alexander Mordyukova, Doronina, Oleg Tabakov, Evgeny Leonov, Stanislav Lyubshin, Vasily Shukshin, Yuri Nikulin, Mikhail Kononov, Anatoly Solonitsyn, Inna Churikova, Nikita Mikhalkov et bien d'autres.

Si le cinéma stalinien tardif était extrêmement académique, excluant la manifestation d'un style d'auteur individuel, maintenant les auteurs deviennent plus libres dans leurs moyens d'expression. Le langage cinématographique des peintures s'enrichit de la prolifération de techniques telles que les caméras portatives et subjectives, le raccourci, le monologue interne, la double exposition, le montage déchiré, etc.

L'opérateur Sergei Urusevsky atteint des sommets particuliers dans le domaine de l'expressivité visuelle ("Les grues volent", "Lettre non envoyée", "Je suis Cuba"). Il convient également de noter que le cinéma du début du dégel était principalement en couleur, mais depuis la seconde moitié des années 1950, la couleur disparaît rapidement et le cinéma des années 1960 redevient principalement en noir et blanc. Cela était dû à des considérations économiques, à la qualité sans importance du film couleur domestique, ainsi qu'à la gravitation vers le documentaire, qui était associée au n / b.

De nombreuses images, remarquables en termes d'effets spéciaux, ont été réalisées. Une figure intéressante à cet égard est Pavel Klushantsev, qui a combiné le cinéma de science populaire avec la science-fiction spatiale: The Road to the Stars, Planet of Storms. En termes d'effets spéciaux, il convient également de noter des films tels que "Amphibian Man" et "Viy".

Une direction particulière du cinéma soviétique est picturale et poétique, encline à symboliser la réalité. Il est curieux que de telles images s'appuient souvent sur des légendes et des performances rituelles et rituelles: "Ombres des ancêtres oubliés", "La couleur de la grenade", "Soirée à la veille d'Ivan Kupala", "Croix de pierre", "Prière".

Le volume de la production cinématographique augmente plusieurs fois. Ainsi, si en 1951 (l'année de la période des "petites images") neuf films ont été tournés, alors dans les années 1960, le nombre moyen de films nationaux produits par an se situait entre 120 et 150. Le cinéma se développe.

Malgré la libéralisation, les cinéastes continuent de faire face à des restrictions de censure, et depuis 1965, le « tableau » de films interdits a été à nouveau reconstitué. Les peintures terminées "Tight Knot", "The Groom from the Other World", "Ilyich's Outpost" ont subi d'importantes modifications de censure. Parmi les premiers tableaux interdits - "Un printemps pour les assoiffés", "Bad Joke", "Long Farewell", "Commissar", "Pervorossians", "Le début d'un âge inconnu", "Andrei Rublev".

La cinématographie soviétique renouvelée est de plus en plus reconnue dans le monde entier. The Cranes Are Flying en 1958 a reçu la Palme d'Or au Festival de Cannes (seule victoire du cinéma russe à Cannes), et Ivan's Childhood en 1962 a reçu le Lion d'or au Festival de Venise.

Années 1970-première moitié des années 1980

La période de la fin des années 1960 au milieu des années 1980 est assez ambiguë pour le cinéma soviétique. D'une part, c'est à cette époque qu'est tournée une part importante des films considérés comme le « fonds d'or » du cinéma russe. En revanche, durant cette période, les phénomènes de crise se sont progressivement accrus. La fréquentation des cinémas a chuté, la pression du système de censure était souvent excessive et la qualité artistique s'est progressivement détériorée, c'est pourquoi les principaux cinéastes ont même identifié le problème au début des années 1980 - la domination des films dits "gris". La caractérisation la plus réussie de la période est probablement « l'apogée de la stagnation ».

Le système des genres reste à peu près le même que dans les années 1960. Mais les signatures individuelles et les styles des réalisateurs deviennent de plus en plus évidents. L'auteur le plus important et le plus original dans ce contexte est Andrei Tarkovsky, qui a tourné Solaris, Mirror, Stalker et Nostalgia pendant cette période. Ses peintures se distinguent par leur approche particulière du travail avec le temps, la complexité de la structure, l'imagerie métaphorique et la profondeur philosophique.

Alexey German explore les moments complexes de l'histoire, recourant à une reconstitution minutieuse et à une immersion maximale dans les événements filmés: « Vérification sur les routes », « Vingt jours sans guerre », « Mon ami Ivan Lapshin ». En raison de l'attention accrue portée aux réalités de la vie et de l'originalité du langage cinématographique, Herman devient l'un des réalisateurs soviétiques les plus bannis.

Elem Klimov crée un certain nombre de peintures diverses, unies par une série picturale expressive, l'humour noir, le thème de la recherche morale, un tournant historique et l'apocalypse qui approche: "Agonie", "Adieu", "Venez et voyez".

Dans le domaine du rétro (avec une touche de grotesque et de postmodernisme) Nikita Mikhalkov travaille, préférant s'appuyer sur l'histoire ou une solide base littéraire: "Un des nôtres parmi des étrangers, un étranger parmi les nôtres", "Slave of Love", "Pièce inachevée pour piano mécanique", "Cinq soirées", "Quelques jours de la vie de I. I. Oblomov."

Vasily Shukshin ("Bancs de poêle", "Kalina Krasnaya"), Andrey Smirnov ("Gare de Biélorussie", "Automne"), Andrey Konchalovsky ("Romance des amoureux", "Sibériade"), Gleb Panfilov ("Début", "Je demander des mots", "Sujet"), Vadim Abdrashitov ("Chasse aux renards", "Le train s'est arrêté"), Roman Balayan ("Vols dans les rêves et dans la réalité"), Sergei Mikaelyan ("Prix", "Amoureux volontairement »), Vladimir Menshov (« Moscou ne croit pas aux larmes »), Sergueï Soloviev (« Cent jours après l'enfance »), Rolan Bykov (« Épouvantail »), Dinara Asanova (« Le pic n'a pas mal à la tête »).

"Holiday Comedy" est finalement remplacé par la satire et la parabole tragi-comédie. Comédiens Leonid Gaidai (12 chaises, Ivan Vasilyevich change de profession, Sportloto-82), Eldar Ryazanov (Old Robbers, The Irony of Fate, or Enjoy Your Bath!), Office Romance "," Garage "), Georgy Danelia (" Afonya "," Marathon d'automne "," Les larmes coulaient ")

Parmi les nouveaux comédiens: Vladimir Menshov (Love and Doves), Mark Zakharov (An Ordinary Miracle, The Same Munchausen), Viktor Titov (Bonjour, je suis ta tante !). Les noms de ces derniers sont associés à l'essor du format téléfilm.

Le thème militaire s'avère extrêmement fécond pour des tableaux à caractère tragique. Alexey German supprime "Vérifiez sur les routes" et "Vingt jours sans guerre", Leonid Bykov - "Seulement" les vieillards "et" Aty-baty, les soldats marchaient … ", Sergei Bondarchuk -" Ils se sont battus pour la patrie ", Larisa Shepitko - "Ascension".

« Come and See » d'Elem Klimova met en quelque sorte un terme à la révélation du potentiel tragique du sujet. Dans le même temps, l'État soutient activement les épopées de guerre schématiques, telles que la « Libération » à grande échelle en plusieurs parties de Yuri Ozerov.

Les classiques littéraires restent la base de l'expérience. Des adaptations cinématographiques inhabituelles de grands écrivains sont réalisées par Andrei Konchalovsky ("Noble Nest", "Oncle Vania"), Sergei Soloviev ("Yegor Bulychev and Others", "Le chef de gare"), Lev Kulidzhanov ("Crime et châtiment").

Certains réalisateurs se spécialisent dans le cinéma de genre: Alexander Mitta, Boris Yashin, Tatiana Lioznova, Sergei Mikaelyan. Les principaux blockbusters soviétiques sont en cours de création - des films spectaculaires d'une complexité de mise en scène particulière, très appréciés des téléspectateurs. Parmi eux se trouvent "Pirates du XXe siècle" et "Crew".

Des tentatives sont faites pour créer des modèles alternatifs de réalisation de films. Par exemple, une association créative expérimentale dirigée par Grigory Chukhrai a été organisée à Mosfilm. Il était basé sur le principe de l'autosuffisance. Le résultat de la décennie (1965-1976) du travail de l'association a été les peintures à succès "Soleil blanc du désert", "Esclave de l'amour", "Tabor va au paradis", "Ivan Vasilyevich change de profession", "12 Chaises", "Sannikov Land" et autres.

Parmi les nouvelles stars de l'écran soviétique de ces années, on peut citer Oleg Yankovsky, Alexander Abdulov, Oleg Dal, Irina Muravyova, Leonid Kuravlev, Donatas Banionis, Anatoly Kuznetsov, Margarita Terekhova, Irina Kupchenko, Marina Neyelova, Yuri Bogatyrev, Oleg Basiuilashvili, Natalia Kaidanovsky, Leonid Filatov et d'autres

La période a été marquée par un certain nombre de victoires majeures du cinéma soviétique au niveau mondial. En 1977, au Festival du film de Berlin, Larisa Shepitko reçoit l'Ours d'or avec Ascent. De 1969 à 1985, le cinéma soviétique a figuré neuf fois parmi les nominés aux Oscars et a remporté trois fois: Guerre et paix, Derza Uzala et Moscou ne croit pas aux larmes.

A l'égard du sort du cinéma et de nombre de cinéastes, l'Etat maintient une politique de tutelle mesquine et d'arbitraire. Les conflits prennent parfois des formes très extrêmes. Par exemple, Sergueï Parajanov va en prison et Kira Muratova est bannie de sa profession. Mikhail Kalik, Boris Frumin, Slava Tsukerman, Mikhail Bogin, Andrei Konchalovsky, Andrei Tarkovsky se retrouvent contraints d'émigrer.

Au début de la période, le « rayon » se reconstituait assez activement (le pic était en 1968, lorsque dix films ont été interdits à la fois). Parmi les peintures interdites on peut noter "Intervention", "Folie", "La couleur d'une grenade", "Vérification sur les routes", "Ivanov Boat", "Errors of Youth", "The Lonely Voice of a Man", "Thème", "Forêt", "Mon ami Ivan Lapshin", "Languissante insensibilité", "Repentir".

Peu à peu, le nombre de films interdits est devenu plus petit, car la pré-censure au niveau du scénario fonctionnait de plus en plus efficacement.

Seconde moitié des années 80

Une fois de plus, une nouvelle page de l'histoire du cinéma russe a été lancée par des processus politiques. Un an après que Mikhaïl Gorbatchev a annoncé la perestroïka en mai 1986, le 5e Congrès de l'Union des cinéastes a eu lieu, au cours duquel la centralisation bureaucratique de la production cinématographique, le contrôle idéologique de la créativité et d'autres excès soviétiques caractéristiques ont été vivement critiqués. Après cela, le processus de dénationalisation du cinéma a été lancé, y compris en 1989 la production et la distribution de films privés ont été autorisées.

Une courte période de « multi-images » commence (1990 devient l'année record en nombre de films tournés - 300), qui fut à la fois riche et en crise. Parallèlement à la suppression des restrictions de la censure et de la liberté de création, le cinéma se détache du spectateur, se concentre inutilement sur des tâches internes, se politise fortement et se concentre sur le reflet des côtés dépressifs du passé et du présent. De plus, il y a un afflux de personnel peu qualifié (par exemple, dans le cinéma coopératif), ce qui entraîne une baisse de la qualité artistique et technique.

Les images de thèmes modernes peignent l'image d'une époque « troublée », révélant le thème de la perte, des drames personnels et sont clairement créées avec une attitude pessimiste. Dans des formes extrêmes, ce type de cinématographie est appelé "chernukha". Les personnages principaux sont « humiliés et insultés »: des marginaux, des sans-abri, des toxicomanes, des prostituées, etc. Bandes emblématiques de ce genre: "Little Faith", "Tragedy in Rock Style", "Doll", "Glass Labyrinth", "Needle", "Asthenic Syndrome", "Satan".

Une place particulière est occupée par le thème de la guerre afghane: « Leg », « Afghan break ». En parallèle, on assiste à une « explosion » de documentaires sociaux aigus, exprimant les tendances à la crise de l'État social: « High Court », « Est-il facile d'être jeune ?

Dans une veine tragi-comédie, le thème moderne est résolu dans les films Courier, Forgotten Melody for Flute, Promised Heaven, Intergirl, Taxi Blues. En général, dans le genre comédie, la part d'excentricité est évidemment croissante, ce qui se ressent dans les œuvres de Georgy Danelia ("Kin-dza-dza"), Leonid Gaidai ("Détective privé, ou Opération "Coopération""), Yuri Mamin ("Fontaine", "Sideburns"), Leonid Filatov ("Enfants de putes"), Alla Surikova ("L'Homme du boulevard des Capucins").

C'est principalement sur la comédie que le cinéma coopératif se spécialise. Ces films se caractérisent par un petit budget, un humour de mauvaise qualité et des motivations sexuelles. Le réalisateur Anatoly Eyramdzhan ("Womanizer", "My Sailor") devient le leader de la région.

Le thème historique occupe une place centrale - les auteurs s'efforcent de traiter de problèmes dont il était auparavant impossible de parler. Les thèmes de la répression, du culte de la personnalité, du crime d'État et de la terreur, des troubles sociaux et domestiques sont abordés. Ces peintures incluent "Cœur de chien", "Demain était la guerre", "Fêtes de Belshazzar ou Nuit avec Staline", "Été froid du cinquante-troisième …", "Un nuage d'or dormait …", "Le Régicide", "Inner Circle", "Perdu en Sibérie", "Freeze-Die-Resurrect".

Pour nombre de réalisateurs, la nouvelle ère ouvre des opportunités pour une expérimentation audacieuse de la forme cinématographique. Sergueï Soloviev tourne une "trilogie mrasmatique": "Assa", "Black Rose - l'emblème de la tristesse, la rose rouge - l'emblème de l'amour", "Maison sous le ciel étoilé". Sergei Ovcharov crée des contes satiriques absurdes: "Lefty", "It". Konstantin Lopushansky ("Lettres d'un homme mort"), Alexander Kaidanovsky ("La femme de l'homme au kérosène") tendent vers la forme parabolique. Oleg Teptsov ("Mister Designer") fait référence à l'héritage du cinéma pré-révolutionnaire.

L'œuvre d'Alexander Sokurov ("Les jours de l'éclipse", "Sauver et préserver", "Deuxième cercle"), qui ne s'est pas construite en déconstruisant les traditions du cinéma généralement admises, se démarque

Représentants du cinéma parallèle et du néoréalisme, des réalisateurs qui, depuis les années 1970, dans l'illégalité, de manière guérilla, semi-amateur, tournent des courts métrages au contenu radical (généralement sur la violence, la mort et la perversion) sortent de l'underground. De l'underground, avec le soutien d'Alexei German et d'Alexander Sokurov, les auteurs se sont rendus dans les principaux studios de cinéma du pays: sur Mosfilm, ils ont tourné "Someone Was Here" des frères Aleinikov, et sur Lenfilm - "Knights of the Heavens" par Yevgeny Yufit et "La traversée du pôle Nord du camarade Chkalov" par Maxim Pezhemsky.

Sergueï Selyanov est également issu du cinéma underground. Depuis le début des années 1980, il a tourné seul le film "Angel Day", qui à la fin de la décennie a reçu le soutien de "Lenfilm". En fait, il peut être considéré comme le premier film indépendant soviétique.

Et enfin, on note l'émergence du festival du film, qui est devenu le principal salon du cinéma national et a par la suite joué un rôle important dans le développement du cinéma russe. En 1990, Kinotavr a été organisé par Mark Rudinstein et Oleg Yankovsky.